表現在音樂 - 它......表現在20世紀的音樂

在文獻中，視覺藝術，電影和音樂，二十世紀第一季度一個新的，創造性的方向上的經典觀點相反，宣告人的主觀內心世界的藝術表現的主要目的。 表現在音樂 - 這是最有爭議的和複雜的流程之一。

究竟是怎麼表現

表現出現，最明顯地表現出來，在奧地利和德國的文化。 1905年在德累斯頓學院的技術高等學校圈形成了由學生，這被稱為“橋”。 它的參與者是E.諾爾德，克利，P，M Pihshteyn E.基什內爾。 很快，他們被德國藝術家和外國人，包括來自俄羅斯的移民加入。 後來，在1911年，在慕尼黑有另一個協會 - “藍騎士”，到康定斯基，克利體育，馬克F.，L.法寧格。

正是這些圓圈變成了藝術方向的祖先，之後開始出現的文學社團，雜誌在柏林出版（“暴風雨”，“風雲”，“行動”），有在文學和音樂的趨勢。

據認為，“表現主義”一詞於1910年由捷克共和國A. Mateychekom的歷史創造。 但沒過多久，在15日後期 - 16世紀初，德國的西班牙畫家格列柯和馬蒂亞斯·格魯內瓦爾德已經使用最大提高和情感的技術，他的工作。 在二十世紀的表現主義開始考慮自己的追隨者，並基於無理（“酒神”）藝術的開始的作品Fridriha Nitsshe（論文“悲劇的誕生”），開始發展感情和藝術表達方式的混亂的方向。

什麼是表現

據認為，從表現人的現代文明，恐怖的心靈的痛苦和複雜的反應出現，如戰爭（第一次世界大戰），革命運動。 恐懼，沮喪，焦慮，痛苦，殘缺的心靈 - 這一切並沒有給藝術家客觀地看待世界。 然後它產生了新的原則，完全拒絕了自然主義與美學的創造者前幾代所固有的。

美學 在文學，表現主義的 繪畫和音樂基礎上的主觀感受的表達，展示了人的內心世界。 它變得比形象，和情感的表達（疼痛，尖叫，恐怖）更重要。 在任務的工作不被現實的再現，以及與之相關的經驗轉移為主。 積極採用各種手段表達的 - 誇張，複雜性或簡化，偏移。

表現在音樂 - 這是什麼？

作曲家總是渴望新的和未知的。 在任何時代都是誰是“最新”，和藝術開闢的新趨勢的影響下，並通過表達音樂的方式設計自己的方式音樂家。

表現在音樂 - 一個“psychogram人的靈魂。” 所以說，德國哲學家阿多諾。 任何傳統的經典形式的音樂作品，色調等正式約束的風格（古典主義，浪漫主義，洛可可）表現在音樂的拒絕它，是它的主要特點。

表達的主要手段

• 不和諧和諧的極端程度。
• 缺乏規模和音樂的古典的韻律的理解。
• 間歇性，清晰度，破碎的旋律線。
• 夏普和非標準的時間間隔和和弦。
• 急劇和意外善變的音樂節奏。
• 由於缺乏標準的主要小調模式 - 無調性。
• 更換聲樂器樂，反之亦然。
• 更換唱歌講話，耳語，喊叫。
• 不規則和不尋常的口音的節奏。

表現在20世紀的音樂

在音樂的一個新的方向在XX世紀初的出現，導致了它的想法的強烈變化。 表現在音樂 - 這是從產品，大小，音調和和聲的古典形式出發。 這些表達無調性音樂（古典大小調模式的邏輯放電），dodecaphony（十二音的組合），在聲樂作品演唱的新途徑（演講，唱歌，竊竊私語，喊）的新手段，導致了他的靈魂的更直接的“表達的可能性“（阿多諾）。

在二十世紀，由於第二維也納學院（維也納）和奧地利作曲家勳伯格的名字音樂表現的概念。 在二十世紀的第一個和第二個十年，勳伯格和他的學生貝爾格和安東·韋伯恩奠定了方向，寫了許多新風格的作品的基礎。 此外，在1910年他創造了他的作品有一種傾向，印象派作曲家等：

• 保羅·欣德米特。
• 斯特拉文斯基。
• 巴爾托克。
• 恩斯特·克熱內克。

新的音樂已經引起情感的風暴和公眾批評的浪潮。 很多人認為表現主義作曲家可怕而恐怖，但它還是找到了一定的深度，任性和神秘主義。

主意

在表現音樂的作曲家在明亮和急性主觀感受，一個人的情緒中。 孤獨，憂鬱，迷茫，恐懼，痛苦，痛苦和絕望的主題 - 這是音樂家想在他們的作品要表達的主要的事情。 語音語調，沒有旋律，不和諧的通道，夏普和不和諧的跳躍，零散的節奏和速度，不規則的口音，強與弱股的交替，不規範使用的工具（在非傳統的合奏非傳統寄存器） - 所有的這些想法已經創建了表達感情和披露作曲家的靈魂。

作曲家 - 表現主義

在音樂表現的代表 - 是：

• 勳伯格 （歌曲週期“皮埃羅Lunaire，”獨角戲“等待”，大合唱“倖存者的華沙”，歌劇“摩西與亞倫”，“詠拿破崙”）。

• 恩斯特·克熱內克（歌劇“奧菲歐與尤麗狄茜”歌劇“約翰尼彈奏”）。

• 巴爾托克（“奏鳴曲”，“第一鋼琴協奏曲”，“第三鋼琴協奏曲”，“音樂弦樂，打擊樂和鋼片琴”，“春之祭”，“化腐朽為神奇國語”等作品）。

• 保羅·欣德米特 （獨幕歌劇“殺人犯，女性的希望”，鋼琴組曲“1922”）。

• 斯特拉文斯基（“雷納德”，“婚禮”，“夜鶯”，“火鳥”，“彼得魯什卡”等多部作品）。

• 古斯塔夫·馬勒（尤其是後來的作品，以及未完成的第十交響曲“大地之歌”）。

• 阿爾班·貝爾格（“沃採克”歌劇）。

• 安東·韋伯恩（五管弦樂，弦樂三重奏，“神聖的至聖”，kontata“光眼”）。

• 理查·施特勞斯 （歌劇“艾麗卡”和“莎樂美”）。

室內樂在表現風格

這麼一來，勳伯格學校正在從根本上交響樂的形式了，它的特點可以表現音樂。 室內樂的圖像（一台儀器，二重奏，四重奏或五重奏和小型的管弦樂隊）這種風格更為常見。 勳伯格認為，他的發明 - 無調性 - 不與巨大的寬屏作品吻合。

維也納的學校 - 這是音樂的不同解釋。 混沌，靈性，生命的不事雕琢和痴迷真相的新感覺已經成為藝術表現的基礎。 針對現有技術的傳統的觀點造反 - - 旋律發明不同色調的破壞總是引起評論家和爭議中憤怒。 然而，這並沒有阻止第二維也納作曲家獲得全世界的認可和大批聽眾。